Cinékosma :
Commençons par le commencement, histoire de situer un petit
peu tes motivations artistiques, car si j’ai bien compris,
toi, tu as à la base une sérieuse formation scientifique...
Dominique Jalu:
Oui, j’ai un parcours qui est plutôt complexe; donc, des études
scientifiques. De maths. Mais, déjà, à l’époque,
je faisais pas mal de musique; et de la peinture, ça, toujours. Et puis,
après avoir été prof de maths, j’ai commencé à faire
du théâtre et je me suis retrouvé musicien dans une troupe
de théâtre dans les années 1970/75. Théâtre
militant, théâtre politique, théâtre de soutien à des
grèves et à des manifestations, des mouvements de contestation.
Donc musicien, puis après, par la force des choses, comédien et
metteur en scène. Puis, j’ai ensuite continué dans le théâtre
en en faisant une activité lucrative. En tant que comédien ( intermittent
du spectacle, comme on dit maintenant); j’ai travaillé ainsi dans
le théâtre et les activités culturelles pendant quinze ans.
J’ai abandonné le travail de prof de maths, parce que je n’arrivais
plus a faire les deux. C’était trop compliqué.
Cinékosma :
Quinze ans. Donc, ça a bien marché, alors
?
Dominique Jalu:
Ca a bien marché, en changeant de troupes de théâtre, de
lieux de travail... De fil en aiguille, je me suis retrouvé responsable
de programmation de théâtre au CAC, Centre d’Action Culturelle
de Corbeil. Et là , j’ai été appelé à m’occuper
particulièrement du théâtre pour enfants; j’avais la
responsabilité d’inviter des troupes de théâtre; en
quelque sorte, j’étais passé de l’autre côté de
la barrière. Et puis, il se trouve que j’ai été en
contact avec des personnes qui m’ont proposé de travailler dans le
cadre de l’association Emmaüs, à monter une chaîne de
télévision de proximité sur un quartier, une cité HLM
Emmaüs au Plessis-Trévise dans le Val-de-Marne. On faisait des émissions
de proximité qu’on réalisait pour les gens et avec les gens
de la cité; on faisait une heure d’émission par semaine. On
difffusait ça par l’antenne collective de la cité. A la suite
de cela, on a décidé à quelques-uns de créer notre
boîte de production; on l’a donc montée et, pour vivre, on
a commencé par faire du film institutionnel. Désormais, j’étais
passé complètement du côté de la réalisation
mais je continuais à faire de la musique et de la peinture.
CK :
Et dans l’ordre, ce serait plutôt la peinture
qui primerait sur la musique... ?
DJ :
Les deux, je dirais. A cette époque-là surtout, car je composais
beaucoup. La peinture a été pour moi une activité qui, depuis
mon enfance, me prenait tous les trois mois ou tous les six mois comme un besoin
irrépressible de faire quelque chose avec mes mains, de faire quelque
chose de plastique. Donc j’en ai toujours fait. Et puis, j’ai eu l’occasion
de rencontrer quelques peintres qui m’ont mis sur la voie ou qui m’ont
influencé, et dont j’ai apprécié le travail. Notamment
un peintre libanais, un Druze, Samir Khabbaje, qui est un homme que j’admire
beaucoup. A la fin de la guerre du Liban, il est revenu vivre en France, et dans
son atelier, il s’est mis à peindre énormément pour
dépasser le traumatisme de la guerre. Je l’ai suivi et j’ai
même fait un film sur lui ; j’ai suivi son travail pendant quelques
années et je trouvais sa façon de travailler passionnante ! Pour
moi, cela été une révélation. Je crois qu’il
m’influence encore beaucoup, ce peintre Samir. Maintenant, il a plutôt évolué vers
des organisations de manifestations éphémères, de performances
comme on dit ; monter une exposition sur 500 M2, créer des objets, des éclairages
pour le cadre de cette exposition qui dure de quinze jours à un mois,
et après il détruit tout ; j’ai toujours trouvé ça
admirable. Et sa façon de rentrer dans la peinture m’a beaucoup attiré ;
la façon de se mettre dedans physiquement. Je crois que cette démarche
a beaucoup influencé mon travail.
Par ailleurs, après cette expérience, j’ai fait de la production
video ; je me suis mis dans le multimédia, l’informatique et l’ordinateur
et je suis toujours, c’est mon activité officielle, infographiste.
Donc, je fais des illustrations pour des sites web, des supports de logiciels
et je travaille sur écran. De temps en temps, quand j’en ai un peu
assez de travailler sur écran, sur du lisse, je quitte l’ordinateur
pour me mettre sur une toile et me coltiner à la matière, me tacher
les doigts. Là, donc, j’ai une envie terrible de chercher une façon
de peindre, une façon de peindre rentre-dedans. Pas une façon de
peindre où on prépare les choses, où on met de beaux coups
de pinceau bien nets, mais plutôt un travail qu’on pourrait qualifier
d’expressionniste.
CK :
Que ce soit la peinture, la musique, l’art dramatique, ou
la mise en scène, est-ce que tu as une formation technique
ou pas ?
DJ :
En musique oui, une formation classique, piano et guitare classique ; puis
après, autodidacte. En théâtre, aucune formation, j’ai
appris sur le tas ; et en peinture, non plus, aucune formation par l’école,
mais autodidacte.
CK :
Tu m’as parlé un petit peu de tes influences et de ton style.
Néanmoins, par rapport à la formation , quelle importance tu
attaches à la technique proprement dite d’un art ? Est-ce que
c’est quelque chose de fondamental pour toi.
DJ :
Non, je ne crois pas que ce soit fondamental. Je pense
que la technique n’est pas quelque chose qui est donnée avant,
mais quelque chose qui se construit pendant. Au fur et à mesure que
l’on travaille, l’on se construit sa propre technique. Je ne pense
pas qu’il existe une technique de peinture adaptée pour tous
les peintres et tous les styles de peinture.
CK :
Même chose pour les autres arts ?
DJ :
Oui, peut-être moins pour la musique, parce que la musique oblige ,
quand on apprend un instrument, à faire des gammes, tandis que dans
le domaine de la peinture, même s’il existe des gammes aussi,
ce sont ses propres gammes que l’on se trouve. Quand je fais des séries,(
j’aime bien travailler sur des séries), on peut voir ça
comme une sorte de gamme. Chercher sur quinze toiles en même temps
comment on peut trouver une technique, ce serait plutôt une méthode,
une façon de voir, une démarche.
CK :
Sinon, tu m’as parlé de tes influences
personnelles. D’une manière plus générale, quels
sont parmi les grands peintres, ceux qui te touchent le plus, de qui tu te
sens le plus proche, ceux que tu préfères en fait et qui auraient
pu t’influencer ?
DJ :
Je ne sais pas si je peux parler comme ça. Il y a des toiles qui m’intéressent,
des peintres en particulier... non. Je ne crois pas que j’ai là-dedans
une suite logique. Je suis d’une façon générale
intéressé par la peinture contemporaine; mais qu’est-ce
que ça veut dire la peinture contemporaine quand on voit certaines
oeuvres qui datent de la fin du XIXème siècle et qui pourraient être
extrêmement avant-gardistes encore aujourd’hui. Donc, c’est
plutôt des approches de peinture ; moi, j’ai toujours été plus
intéressé par des peintres que j’appelle rentre-dedans
que des peintres qui ont une espèce de distance par rapport à la
toile. C’est particulièrement vrai pour les peintres figuratifs,
d’avoir une distance comme ça, encore que je ne sais pas si on
peut dire que Van Gogh soit complètement séparé de l’abstraction.
Je pense qu’on trouve chez Gauguin et Van Gogh déjà des
signes de l’abstraction, que d’ailleurs ils considéraient
comme quelque chose d’important à cette époque-là.
Je ne pense pas avoir une prédilection pour un peintre ou une école
de peinture
CK :
Justement, il y a chez toi une espèce d’opposition entre le concret
et l’abstrait, entre le figuratif et l’abstrait, d’où ça
vient ça ; est-ce l’opposition de l’esprit scientifique à l’esprit
artistique ?
DJ :
L’abstraction, ça peut être vu, être entendu au sens
de s’abstraire de... ou abstraire de quelque chose. Dans ce sens-là,
on peut penser que quand on voit un paysage, quelque chose de la nature,
il y a moyen d’abstraire de ça des éléments qui
t’intéressent et que tu vois, toi, et que d’autres peut-être
ne voient pas. Le travail du peintre doit être considéré comme
la possibilité de mettre certains aspect de la nature en exergue,
et forcer le trait sur certaines autres choses. C’est une conception
de l’abstraction, c’est la conception première, celle qu’on
retrouve chez Gauguin et Van Vogh par exemple. Maintenant il ya une autre
approche de l’abstraction qui est de construire quelque chose dans l’abstrait
sans connexion avec la nature. C’est ces deux conceptions-là qui
me travaillent en ce moment, les deux éléments sur lesquels
je réfléchis. Est-ce que l’abstraction, c’est quelque
chose qui est abstrait de la nature ou bien est-ce que l’abstraction
est une réflexion conceptuelle que tu colles sur tes toiles ? Donc,
ce conflit qu’on peut voir entre abstraction et figuratif, je le traduis
plutôt comme un conflit entre deux façons de concevoir l’abstraction.
Soit, l’abstraction abstraite de quelque chose, donc “tirée
de”, soit une abstraction qui est un peu conceptuelle et qui vient se
placer en surplus en quelque sorte. Mais je ne pense pas que l’abstraction
s’oppose au figuratif. Et je crois que je n’ai pas envie de quitter
le figuratif complètement, de dire c’est fini, je ne reprèsente
plus rien de la nature; je ne pense pas que j’ai envie de travailler
dans ce sens-là, parce que si je travaillais ainsi, je me priverais
d’un certain nombre de moyens d’expression.
CK :
D’ailleurs, c’est quelque chose qu’il m’a semblé avoir
vu dans tes tableaux, qui dans l’ensemble sont apparemment très
abstraits, mais, lorsqu’on s’approche et qu’on s’attarde
un peu, que l’on regarde de plus près, on s’aperçoit
qu’il y a plein de petits tabloïdes, de petites choses très
figuratives, des morceaux de tableau qui sont extrêmement concrets
en fait...
DJ :
Encore une fois, c’est le côté abstrait
de la nature, ce sont des choses qui sont abstraites du réel; quand
on regarde un nuage, une rue, une ville, une forêt, on peut y lire
un nuage, une rue ou une forêt; ou bien, l’on peut également
y voir, en attardant le regard, autre chose qui soit de l’ordre des
signes. Pas forcément des signes-symboles, mais des signes plastiques...
Or, quand même, dans le travail du peintre, il y a l’idée
de passer à une surface qui est à deux dimensions... Donc,
l’idée de faire du figuratif au sens de” je fais une photographie
de” - même si cette photo est bien cadrée etc - cette idée
m’est un peu étrangère... Mais, ça ne veut pas
dire pour autant que ce sera non- figuratif. C’est pour ça que
je me suis intéressé à la peinture du Moyen-Age. A cette époque-là,
par exemple, la notion de perspective était complètement diffèrente,
autre.
On va dessiner un personnage important en grand et l’on va dessiner un personnage
moins important en petit; alors que le personnage petit est peut-être,
du point de vue de la perspective photographique, devant le personnage représenté en
grand. Donc, on donne de l’importance à certaines choses et on en
donne moins à d’autres par des tailles différentes et on casse
complètement la perspective. Et il n’empêche que c’est
figuratif.
CK :
En un mot, ce qui ne t’intéresse pas trop, c’est
la reproduction...
DJ :
Oui... La reproduction photographique ne m’intéresse
pas.
CK :
Qu’est-ce-qui t’a amené à avoir cet énorme
besoin d’expression artistique? Est-ce que c’est en opposition à ton
côté rationnel...Une réaction par rapport à l’esprit
scientifique... et aussi comment le rationnel et le créatif peuvent-ils
se conjuguer ?
DJ :
D’abord, qu’est-qui me pousse... Je ne suis pas capable de définir
fondamentalement ce besoin. Je ne peux tout simplement pas faire autrement.
Pourquoi, je ne sais pas. Deuxièmement, est-ce que le rationnel et
la création artistique s’opposent... je ne le pense pas du tout.
Même si c’est courant de penser ainsi... Je crois même le
contraire, bien souvent.
CK :
Tu en es un bon exemple...
DJ :
Il existe de grands exemples autres que le mien...
Il est vrai que quand on peint, il y a d’une part le geste de rentrer
dedans, dans la toile, puis d’autre part, il y a la réflexion,
c’est-à-dire que si je peins dans la journée, le soir
je continue à penser... La pensée sur la toile continue. Même
si je ne l’ai plus sous les yeux. Donc, il y a aussi une réflexion
sur ce que je fais et il m’arrive souvent de revenir le lendemain matin à mon
atelier et de tout rayer, de tout effacer; de recommencer certaines choses,
parce que du point de ma réflexion - donc il y a de la raison aussi
là-dedans - ça ne me satisfait pas, ça ne me convient
pas. Je retrouve souvent, justement, des tendances à retomber dans
du figuratif anecdotique. Et ça, j’essaie de le gommer. De gommer
l’anecdotique. Ou alors, il ne faut faire que de l’anecdotique
et mettre tous les tableaux ensemble. A ce moment-là, il y a quelque
chose qui se crée.
CK :
J’ai l’impression que dans tes tableaux, la structure n’est
pas évidente; je voudrais te demander si tu considères qu’il
faut au départ, avant d’attaquer un tableau, un schéma,
un plan et aussi te demander ce que tu penses de ce que j’appellerais “la
création préméditée”... Est-ce qu’il
faut suivre un schéma ou pas, et comment tu procèdes?
DJ :
Je crois que dans l’ensemble je respecte un schéma. Cela ne veut
pas dire que j’arrive à le suivre jusqu’au bout. Mais il
y a un schéma, une idée, un projet. Il y a une dimension projet à chaque
toile. Bien sûr, on peut avoir un projet et arriver à la fin
en obtenant quelque chose qui est très éloigné de ce
qui avait été envisagé au début. Je travaille
comme ça. Il y a un projet, par exemple des lignes conductrices, une
composition du tableau qui est pensée; puis, l’exécution
et le recul, et, arrive un moment où l’on peut voir que des choses
sont apparues et qui au départ n’avait pas du tout été envisagées.
Et là, on rejoint l’exemple des nuages que l’on peut regarder
en n’y voyant que des nuages ou bien que l’on peut regarder différemment
et y voir d’autres images telles que des visages, des corps etc... A
ce moment-là, c’est l’exécution qui va faire changer
la vision des choses.
CK :
C’est ce que tu disais un peu l’autre jour en parlant de ta main
: c’est ma main qui travaille...
DJ :
Cela dit, je ne veux pas non plus tomber dans l’excès
inverse en disant, le cerveau ne fonctionne plus du tout, il n’y a plus
de pensée ni de rationnel, c’est la main qui fait tout. Il y
a aussi des choses qui sont de l’ordre du symbolisme, de la pensée
symbolique, qui peuvent jouer un rôle... Mais je ne cherche pas à faire
du symbolisme... J’ai quand même la préoccupation première
de peindre; il ne s’agit pas de mettre du symbolisme partout ou de rendre
une toile qui soit symbolique de quelque chose. Ce n’est pas ma démarche.Il
y a d’abord la préoccupation de remplir un espace, l’espace
de la toile avec des choses que tu ressens - qui peuvent être qualifiées
de techniques - l’équilibre de couleurs, l’équilibre
de construction, de balance entre la droite et la gauche, le haut et le bas;
toutes choses propres à l’art pictural. Travailler comme je travaille
fait qu’il m’arrive très souvent de procéder par
séquences. Avec un problème d’équilibre général,
d’où la nécessité d’avoir une idée
de construction générale. Quand je dis séquence, je
donne une dimension temporelle, comme au cinéma, au théâtre
ou en littérature, mais là, il s’agit d’une dimension
spatiale, ce qui est à peu près pareil.
CK :
Est-ce qu’il existe des influences entre les arts ? Notamment entre
la musique et la peinture ? La musicalité, l’harmonie, est-ce
très important pour toi, est-ce toujours présent dans ton esprit
? Est-ce que parfois tu t’inspires même de la musique pour réaliser
un tableau ?
DJ :
Oui, la traduction de la musique en peinture est une vaste question. Disons
que je sens assez bien un rapport entre les deux, en ce moment, au niveau
de l’aspect répétitif, l’aspect rythmique; le côté répétitif,
c’est que dans les toiles que j’ai fait, il y a une recherche de
thème qui revient comme un leitmotiv, un motif pictural qui se répète.
Les influences des autres arts comme le théâtre ou le cinéma,
ne me semblent pas aussi évidentes. Néanmoins, il y a certaines
idées qui viennent à l’esprit et qu’on peut trouver
un peu partout; dans un journal, dans une exposition de peinture, dans la
rue, dans les nuages...
CK :
Une parenthèse... Est-ce que tu considères que le comédien
est un créateur mineur ?
DJ :
Non, pas du tout. Je pense que c’est quelqu’un d’absolument
essentiel. Et en théâtre, j’aime bien qu’on s’appuie
sur les comédiens. J’ai fait quelques mises en scène
(au théâtre ou au cinéma) où j’ai toujours
cherché à travailler en symbiose avec les comédiens
qui t’apportent énormément. Tout comme en peinture où le
pinceau et la main t’apportent beaucoup de choses que tu n’aurais
peut-être pas vues en y réfléchissant simplement comme ça...
CK :
Est-ce que tu as comme on dit des “périodes” d’ordre
stylistique ou bien tout simplement au niveau des matériaux que tu
utilises...?
DJ :
Des périodes oui... Par rapport aux matériaux que j’utilise,
surtout... Parce qu’il y a des contraintes; des contraintes d’espace,
des contraintes de disponibilités, etc. Pour moi, en particulier,
il y a un problème d’espace pour stocker toutes les peintures
si je les laisse sur les châssis. Donc, j’ai tendance à peindre
surtout sur toile ou sur papier. Cette contrainte influe sur la technique.
J’aime beaucoup la peinture à l’huile, mais je peux difficilement
la pratiquer parce que je n’ai pas d’espace pour faire sécher.
Ainsi, je suis passé à l’acrylique un peu contraint et
forcé. Si j’avais l’espace, c’est sûr que je
peindrais davantage à l’huile. Mais le séchage dure deux
mois...
CK :
La contrainte est-elle utile à la création artistique?
DJ :
Oui! Il y a même des contraintes que l’on
s’impose. Artificiellement même quelquefois... L’idée
de se dire je vais faire une peinture où je ne vais utiliser que du
noir et blanc, c’est une contrainte que l’on s’impose. Ne
serait-ce que le format tout simplement... Et même la composition qui
peut être au départ purement géomètrique; un équilibre
vaguement influencé par des notions sur le nombre d’or, par exemple,
etc. Des balancements entre la droite et la courbe. C’est d’une
certaine manière une contrainte qu’on s’impose. En fait,
il n’y a pas de liberté sans contrainte. Pas de jeu sans règles
du jeu. Donc, oui, je suis partisan de ça. Car c’est ainsi qu’on
gagne la liberté. Le travail du peintre, tel que je le conçois,
c’est une lutte pour la liberté.
CK :
Tu as commencé à exposer assez tardivement, pourquoi ? Et qu’est-ce
qui t’amené finalement à exposer?
DJ :
Ce qui m’a amené à exposer, c’est les autres. Des
gens de mon entourage qui m’ont poussé à présenter
le travail que je fais. J’ai exposé très peu, oui. L’exposition
actuelle, c’est la deuxième pour moi. Je me suis aperçu,
même si je le savais d’avance, intellectuellement, que quand tu
prépares une exposition, tu te mets aussi dans un autre état
d’esprit, tu as besoin de travailler un peu sur une unité, tu
te dois d’aller jusqu’au bout du projet de façon à ce
que la toile soit bien présentable, ce que je ne fais pas tout le
temps quand je peins. Et puis, il y a une autre raison à l’exposition,
c’est que j’ai besoin de voir ce que j’ai fait; de voir les
toiles les unes par rapport aux autres; dans un espace qui permet de les
voir toutes ensemble; et même de voir certaines toiles à grande
distance, puisque je travaille dans un espace où j’ai cinq mètres
de recul. Il y a certaines toiles que je n’avais jamais vues de plus
loin que ces cinq mètres. Je trouve qu’il y a une satisfaction
pour moi d’exposer parce que je vois mon travail. Ce n’est pas
seulement le montrer aux autres, mais me le montrer à moi-même
aussi. Désormais, je me rends compte qu’une exposition, c’est
une bonne étape pour repartir après et réfléchir à d’autres éléments
qui n’apparaissent pas uniquement dans l’atelier.
CK :
Pour évoluer un peu dans notre entretien, on va essayer de rapprocher
la peinture du cinéma. Question idiote, est-ce que le cinéma
est aussi pour toi un art pictural ?
DJ :
Ben oui. Evidemment.
CK :
Quand tu vas voir un film, est-ce que
tu es d’abord branché par
l’esthétique... ?
DJ :
Ca dépend des films. J’ai un peu peur
des classifications qui se feraient là-dessus... Des films peuvent être
absolument passionnants, alors que l’esthétique de l’image
n’est pas du tout soignée parce qu’ on n’avait
pas les moyens, parce que ce n’était pas le but etc. Et ça
n’enlève pas pour autant de valeur au film. D’autres
films sont extraordinaires d’un point de vue pictural, et puis il
y a quelquefois le mariage entre différentes choses. Les motivations
pour faire un film de cinéma peuvent être diverses et si
on va au cinéma en se disant je cherche l’esthétique,
on risque de passer à côté de films absolument fondamentaux.
Par exemple, le travail de Michael Moore est un travail documentaire
où l’on ne cherche pas à faire du beau cadre, mais
je trouve ses films très importants et passionnants. Par ailleurs,
la démarche d’un Tarkovski qui réalise des images
extraordinaires... c’est un autre travail, c’est autre chose;
et j’apprécie les deux.
CK :
Tu ne vois donc pas le cinéma seulement
d’un point de vue esthétique. Mais, est-ce que tu penses
que l’art peut se passer de l’esthétique? Si l’on
considère le cinéma comme un art et qu’il n’y
a pas d’esthétique, il y a là comme un problème,
non?
DJ :
Je crois que la beauté, ce n’est pas quelque chose qui existe
en soi. Un objet beau, pour moi, ça n’existe pas. C’est
le regard de l’homme - des hommes - qui apporte la beauté.
C’est comme la théorie de Goethe, quand il parle de la lumière
et des couleurs; il dit : c’est le regard qui transmet la lumière.
Bon, scientifiquement, on sait que c’est faux; la lumière
est donnée par le soleil, le jeu des ombres, etc. Mais dans l’esprit
de Goethe, c’est le regard qui met la lumière sur les choses.
La lumière part de l’oeil et va à l’objet. Alors,
pour la lumière, on sait que c’est faux; mais pour la beauté,
moi, je crois qu’ elle n’est pas dans l’objet en tant
que tel mais dans le regard, dans l’oeil de la personne. Du point
de vue cinéma, je crois que c’est pareil que pour la peinture.
Du point de vue de l’artiste qui fabrique aussi. Celui qui fabrique
un film, même documentaire, c’est lui qui va apporter la beauté.
Il l’apportera dans sa passion à faire le film, même
s’il a des images qui sont pourries, parce qu’ il jugera important
de passer telle séquence, tel plan, alors que l’image est
floue; il va par sa passion créer la beauté. Après,
aux spectateurs de saisir cela... et d’avoir en tant que spectateur
un regard qui en lui-même apporte de la beauté.
CK :
Est-ce que toutefois tu vas jusqu’à penser - comme Godard,
pour ne pas le nommer - que ce qui prime c’est le regard du spectateur;
il y a tout de même d’abord le regard de l’auteur...
DJ :
Ben, il y a le regard de l’auteur, c’est à dire
que, je ne pense pas que l’on puisse être un auteur - un peintre,
un cinéaste etc - en travaillant dans l’idéé : “je
vais faire du laid”. Je ne vois pas comment ce serait possible.
Je pense que celui qui crée, il le fait sur la base d’un
amour ou d’une passion. Il y met quelque chose que l’on peut
qualifier de beau. Quant au spectateur, il n’a pas forcément
la passion du sujet au début. Mais il va pouvoir y mettre des
choses qui viennent de lui. J’accepte donc volontiers l’idée
de Godard, mais je ne peux pas non plus faire, créer une oeuvre
avec la volonté de satisfaire le regard de l’autre. Parce
que dans le regard des autres, il y a des regards qui m’intèressent
et d’autres... moins. Je fais donc une sélection, quand je
peins. Si je peins pour satisfaire un regard, je risque de tomber dans
une peinture complètement anecdotique, une peinture façon
la place du Tertre à Montmartre; ou façon peinture décorative
qui fera bien au-dessus d’une cheminée ou d’un buffet.
Je ne crois pas du tout que je peins dans cet esprit-là. Mais
il y a des regards qui m’intéressent, bien sûr.
CK :
L’idéal serait peut-être de toucher les autres tout
en restant soi-même; une rencontre qui a lieu ou n’a pas lieu...
DJ :
Oui. On peut dire ça comme ça...
CK :
Pour prendre un exemple précis, Godard nous dit : “tenez
je vais vous faire voir un plan de “Full Metal Jacket” de Kubrick
où l’auteur nous montre en gros plan le pied d’un soldat
qui reçoit une balle avec le sang qui gicle en nous obligeant à regarder
- en orientant excessivement notre regard - ; alors qu’à côté,
voilà le plan d’un cinéaste phillippin où il
y a 47 personnages et qui donc vous laisse le choix...” Que penses-tu
de cet exemple?
DJ :
C’est toujours le côté un peu
provocant de Godard. A travers sa provocation, il exprime aussi des idées;
donc, il ne faut peut-être pas le lire au premier degré.
Dire qu’un gros plan impose quelque chose alors qu’un plan
large ne l’impose pas, déjà en tant que telle, l’affirmation
peut être contestée... Le plan large impose peut-être
tout autant. Mais Godard a une façon de parler qui peut-être
révélatrice de tout un tas de choses... Par exemple, dans
un entretien avec Wenders où ce dernier disait :”dans un
film, il y a quand même une histoire avec un début, un milieu
et une fin...” Godard a répondu : “oui, mais pas forcément
dans cet ordre-là...” Là, je trouve qu’il touche
une idée forte. Même si c’est provocant. Je reviens à la
peinture; si je travaille en tant que peintre, je ne cherche pas à séduire.
Ce n’est pas l’objet. J’ai bien conscience que je peins
des tableaux qui sont impraticables dans un salon. Et je pense que si
l’on regarde un grand nombre de toiles, mêmes académiques,
il y en a un certain nombre que l’on a du mal à imaginer
dans un salon. “Le Radeau de la Méduse” par exemple.
Outre la taille du tableau, si on avait cette toile sous les yeux à longueur
de journée, ce serait invivable. Cela ne veut pas dire pour autant
que cette peinture est nulle et non avenue. Donc, la peinture décorative
- qui a beaucoup de succès, que l’on trouve dans les galeries
etc - c’est du joli. Je ne crois pas que je recherche le joli; et
je ne crois pas que la beauté ce soit du joli.
CK :
A propos du cinéma, j’aimerais bien savoir quels sont les
films ou les cinéastes qui t’ont le plus marqué, touché...
DJ :
Une fois de plus, je me méfie de ce genre
de questions, parce que là, tout de suite, je vais penser à certains
films, ne serait-ce que parce que j’ai sous les yeux des affiches
de cinéma; c’est des questions un peu piégeantes...
A l’instant présent, je peux te dire qu’un film qui
m’a enchanté, c’est “To Be or not to Be” de
Lubitsch. Qu’est-ce que j’ai ri ! En revanche, j’aime
tout autant les films de Tarkovski. Il a fait très peu de films,
mais je les trouve tous très impressionnants ! En dehors de la
beauté de ses fameux plans-séquences, je suis très
sensible à l’aspect spirituel de l’oeuvre de Tarkovski.
C’est en cela, encore une fois, que la création artistique
se situe dans la recherche des idées dans son intimité.
La nature est vivante, mais dans la reproduction elle ne vit plus...
D’ailleurs, dans une certaine mesure, je pense que plus on va dans
son intimité, plus on touche à l’universel et plus
on a donc de chances d’être compris. Ce combat pour la liberté,
il ne se gagne que dans ce que j’appellerai, moi, une spiritulaité.
Sans y mettre de point de vue mystique. Une spiritualité qui est
parfaitement intégrable et gérable dans le temps, humaine
en un mot.
CK :
Pour tenter de définir l’art - exercice périlleux
- (si j’ai bien compris, pour toi, c’est une quête et
une lutte pour la liberté) - est-ce que tu serais d’accord
avec cette définition - ou approche - qui consiste à dire
que l’architecture serait un modèle pour tous les autres
arts?
DJ :
Non, je ne crois pas. Parce que l’architecture
a des contraintes qui ne sont pas uniquement du domaine de l’art.
Il ne suffit pas que ce soit un beau bâtiment, mais il faut aussi
qu’il soit habitable. Mais, si l’on veut prendre l’architecture
d’un point de vue symbolique ou philisophique - l’aspect projet
, l’aspect construction, - oui à ce moment-là, on
peut chercher dans l’architecture quelque chose qui relie tous les
arts. Pas seulement l’aspect artistique, mais le travail de la vie.
La pensée, et même la réalisation concrète
de certaines choses. Ce qui me semble important, c’est que les hommes
aient des activités créatrices. Pas uniquement dans le
sens artistique du terme. Dans le côté artistique, il y
a peut-être quelque chose qui est de l’ordre de l’acte
gratuit. Celui qui fabrique une maison, un meuble, il y a bien sûr
une forme de création artistique, mais fait-il vraiment de l’art
? Je ne crois pas. Parce qu’il y a des idées utilitaires
derrière... alors que dans l’art, il n’y a pas d’idées
d’ordre utilitaire. Mais, je n’irai pas jusqu’à dire
que l’art ne sert à rien. En revanche, il ne sert pas dans
l’immédiat à des besoins humains utilitaires. Et ceux
qui ont une vision utilitaire dans le domaine du cinéma ou de
la peinture, c’est des commerçants.
CK :
Tout être humain est à priori créatif...
DJ :
...A le pouvoir de l’être ! Parce que je pense aussi qu’il
y a pas mal de gens qui ont renoncé à la créativité.
A mon sens, s’il ont renoncé à cela, ils ont renoncé à la
liberté. Je ferais le parallèle entre liberté, création
et beauté. La recherche de la beauté, de la créativité et
de la liberté, c’est le même combat.
CK :
L’art va-t-il de pair avec ce que l’on
pourrait appeler le savoir-faire suprême ?
DJ :
Le savoir-faire, c’est plutôt de l’ordre
de la technique. Le bon technicien est celui pour lequel la technique
est tellement bien integrée qu’elle n’est plus visible.
Dans le cas d’un musicien, on l’écoute et si l’on
entend sa technique, eh bien, c’est fichu... Il est néanmoins
très bon musicien, à cette différence qu’il
y a ceux que l’on écoute et qui donnent l’impression
que toute cette harmonie coule de source... Pour ce qui est du savoir-faire
suprême, je ne crois pas que ma problématique soit de rechercher
un savoir-faire...Je pense qu’il est important de pouvoir se dire
de temps en temps : bon, là, ce que je viens de faire, c’est
un peu anecdotique, c’est un peu faible; il faut tout casser, tout
réinventer. J’ai mis du rouge, ben non, je remplace par du
jaune et à priori ce jaune n’est pas du tout évident,
il va me provoquer des chosese terribles; il va jurer avec le bleu qui
est à côté; et pourtant, il faut prendre le risque
et se lancer. Parfois on se casse la figure; on a mis du jaune, on s’aperçoit
qu’on a vraiment tout foutu en l’air; néanmoins, je
crois qu’il faut toujours prendre le risque. Même un comédien
qui a suivi toute sa vie une technique extraordinaire, il faut qu’il
se dise à un moment donné : eh bien, j’oublie ça
et je repars à zéro. La prise de risque est essentielle.
Car, si l’on ne prend pas de risques, on ne fait que copier. Or,
c’est la copie plus le risque qui fait le truc... C’est une
lutte constante contre l’habitude.
CK :
Et s’il y avait un art de vivre, ce serait...
?
DJ :
La prise de risque. Il ne faut pas avoir peur de l’excès.
Je ne veux pas trop porter de jugements, mais ceux qui mènent
une vie en bas-relief, je regrette... ce ne sont pas les gens qui m’intéressent
en général. Le peintre c’est quelqu’un qui dit
des choses qu’il ne pourrait pas dire autrement. Si je pouvais les
dire autrement peut-être que je ne ferais plus de peinture... Il
y a des choses qui ne peuvent pas se communiquer par des mots... Mes
besoins artistiques viennent sans doute de là...
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